En 2003, le photographe allemand Olaf Otto Becker s’est rendu au fjord glacé d'Ilulissat, au Groenland. Situé à un peu plus de 240 km au nord du cercle arctique, ce paysage était si émouvant qu’il a placé Becker sur une nouvelle voie dans sa carrière artistique. Depuis, il a effectué plus d’une douzaine de voyages dans la région afin d’en saisir la beauté et les changements.

Les résultats sont une série de projets à long terme qui rendent hommage à l’incroyable paysage du Groenland, tout en sensibilisant aux grands changements qui se produisent. Toujours aventurier, Becker est prêt à tout risquer pour le bon cliché et, à ce titre, est reparti avec un superbe portfolio d’images.

Sur de nombreuses photographies, les icebergs sont isolés dans l’eau. Ces fragments se reflètent, alors que le lustre bleu glacé de la neige change de couleur dans la lumière. Les icebergs sont capturés presque comme si Becker prenait un portrait. Flottant dans l’eau, chacun a sa propre personnalité. En même temps, Becker n’ignore pas le vaste paysage de la région. Certaines photographies donnent un grand sens de l’échelle, tandis que l’eau coule à travers la glace, créant des sentiers bleu clair dans son sillage.

Nous avons pu discuter avec Becker du travail important qu’il accomplit et lui demander ce qui fait d’Ilulissat une telle inspiration pour lui, en tant que photographe. Lisez la suite pour l’interview exclusive de My Modern Met.

Qu’est-ce qui vous a le plus frappé au sujet du fjord glacé d’Ilulissat la première fois que vous l’avez vu?

En 2003, je me suis tenu pour la première fois avec ma caméra grand format 8 x 10 pouces vers deux heures du matin au bord du fjord glacé l’Ilulissat. Au bout du fjord, d’énormes icebergs s’étaient échoués. Des centaines d’icebergs sortaient d’une mer de glace brisée qui s’étendait jusqu’au bord du glacier, à 40 kilomètres de là. Le fjord était tellement rempli de glace qu’on aurait pu le traverser jusqu’à l’autre côté du fjord. Le soleil de minuit peignait la glace en rose, violet, bleu, vert et jaune. En continu, on entendait comme des coups de canon alors que les icebergs se brisaient. Les mouettes remplissaient le ciel au-dessus de cette scène de glace avec leurs chants lumineux. Parfois leur chant sonnait comme un rire brillant.

Je faisais face à cette immense scène avec des milliers d’artistes et un décor incroyable, dont j'étais le seul spectateur. Quel moment.

Qu’est-ce qui vous a donné envie de consacrer votre carrière à documenter les changements climatiques ?

En tant que photographe, on revient souvent là où on a déjà eu la chance de prendre une bonne photo. J’ai donc de nouveau visité un glacier en Islande et j’ai été choqué par ce que j'ai vu. La langue glaciaire avait considérablement reculé en quelques années. Je voulais savoir ce qui causait ce changement rapide et j’ai appris pour la première fois ce qu’était le réchauffement planétaire causé par l’homme. À l’époque, on ne parlait pas beaucoup de ce sujet. Cependant, il m’est immédiatement apparu clairement que nous devions faire face à un changement important pour toute l’humanité. Pour la première fois dans l’histoire de la terre, l’homme change le climat parce que ses actions inversent les processus dans l’histoire de la terre.

Les carbones fossiles se sont accumulés sur des milliards d’années. Ces carbones ont été retirés du climat au cours de cette période infiniment longue. Maintenant, l’homme ramène ces substances fossiles dans le cycle climatique actif. Cela doit avoir des conséquences dramatiques pour notre habitat. Je m’intéresse aux traces que nous, les humains, laissons sur cette terre par nos actions. Le réchauffement de la planète est l’une des questions les plus importantes de notre temps.

Vous avez vécu des expériences très intenses — y compris le fait d’être frappé par un iceberg — pour obtenir ces images. Qu’est-ce qui vous motive ?

Je vois ma propre existence comme un grand cadeau. On m’a donné une petite fenêtre de temps sur cette terre et je peux maintenant créer une image de notre monde avec mes propres sens. Je suis très curieux et assoiffé de savoir. Ma curiosité est souvent plus grande que ma peur du danger. Bien que j’aie maîtrisé de nombreuses situations très dangereuses, je suis aussi une personne prudente. Dans chaque projet, l’échec est pris en compte dans la préparation.

Si la possibilité de l'échec est un aspect d’un projet, alors vous êtes prêt pour cette partie aussi. Mais sans la chance, je ne serais pas là où je suis maintenant. Cependant, on ne peut espérer qu'une certaine quantité de chance. Je suis devenu beaucoup plus prudent maintenant. Mes projets actuels donnent de moins en moins de place à l’aventure.

Au cours de vos 15 années à documenter les changements environnementaux au Groenland, quelle est la chose qui vous a le plus frappé ?

Sans aucun doute, il est devenu sensiblement plus chaud chaque année. Cependant, au cours des huit dernières années, c'est devenu une sorte de mode de se rendre à Ilulissat pour “regarder” le réchauffement climatique. En été, de nombreux navires de croisière passent devant Ilulissat. Des scientifiques, des politiciens et des touristes du monde entier viennent à Ilulissat comme si le réchauffement climatique n’avait lieu qu’ici. Cependant, le réchauffement planétaire se produit partout.

Comment espérez-vous que votre photographie impacte la façon dont nous voyons notre paysage ?

Je ne fais que donner matière à réflexion. On ne peut pas photographier le réchauffement de la planète. Lorsque je montre des images de la fonte des glaces, cela n’a rien d’inhabituel en soi. Chaque été, la glace fond. Les icebergs ne sont pas non plus inhabituels. Ils existent depuis des milliers d’années. Cependant, avec la connaissance du réchauffement climatique provoqué par l’homme, toutes ces images prennent un nouveau sens. Les images deviennent des symboles d’un changement, de notre habitat — que nous avons provoqué. Et puis tout à coup, derrière toute cette beauté, il y a la peur.

C’est ambivalent et j’espère que cela nous fait réfléchir.

Qu’espérez-vous que les gens retirent de votre imagerie ?

Nous vivons toujours dans un monde merveilleux, je le montre avec mes photos. Le monde peut fonctionner sans l’homme, comme il l’a fait des milliards d’années avant l’homme. Mais si nous voulons garder notre place ici, alors nous devons tenir compte de la nature qui nous a créés.

Olaf Otto Becker : Site Web | Facebook 

My Modern Met a obtenu l'autorisation de partager les photos d'Olaf Otto Becker.

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Depuis quatre décennies, l'artiste Stan Herd utilise la terre comme toile. Inspiré par son enfance dans une ferme du Kansas, Herd a porté son amour et sa connaissance de la terre à de nouveaux sommets avec ses incroyables portraits. Son dernier projet, situé à Atlanta, a été créé pour célébrer la Journée internationale de la fille et la Semaine mondiale de l'espace. Mettant en vedette l'astronaute de la NASA Stephanie Wilson, il s'étend sur 370 mètres carrés.

Vu d'en haut, en utilisant un drone, on apprécie pleinement la richesse des détails du travail de Herd. Les compétences qu'il a cultivées après des décennies de création de ces travaux de earthworks transparaissent. Herd n'exécute pas ces pièces seul, mais considère plutôt la collaboration comme une partie importante du processus. La création du portrait de Stephanie Wilson a été un processus qui, comme toujours, a impliqué la communauté. Par exemple, le cadre entourant le portrait détaillé de Wilson a été composé de 1 500 carreaux peints à la main par des enfants de la grande région d'Atlanta.

En effet, le portrait de Stephanie Wilson n'est que le dernier d'une longue lignée d'art percutant que Herd crée en utilisant la terre. Herd, qui est aussi peintre et sculpteur, peut mettre des semaines voire des mois à donner vie à ses pièces. À l'aide d'un système de grille, il est capable de déplacer son travail, pièce par pièce, afin d'obtenir l'effet recherché.

Nous avons eu l'occasion de parler avec Herd de sa longue carrière, de la façon dont le portrait de Stephanie Wilson est né et de quel earthwork dont il est le plus fier. Lisez la suite pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Photo : The Art of Zarr

Vous faites ces travaux de earthworks depuis si longtemps. Qu'est-ce qui vous a inspiré pour commencer à les créer ?

En tant qu'étudiant en histoire de l'art et artiste assez prolifique dans ma jeunesse – lycée et collège – je me suis détourné de mon rêve de devenir musicien et j'ai tourné toute mon attention vers l'art comme moyen de m'exprimer et, espérons-le, de maintenir mon maigre style de vie. J'y ai réussi.

Comme la plupart des artistes, musiciens, sculpteurs, acteurs et cinéastes, je voulais être à la pointe et créer un art unique et innovant. Trouver une nouvelle façon de “voir” était dans tous nos esprits. Les travaux de earthworks commençaient tout juste à être acceptés dans le monde de l'art au sens large, avec Hizer et Christo qui gagnaient du terrain et être suivis.

En tant que jeune homme ayant grandi dans une ferme du Kansas, j'ai décidé que je connaissais quelque chose sur la terre et les gens qui ont historiquement travaillé la terre. Mon véritable objectif était le premier peuple, les Amérindiens dont mes ancêtres s'étaient installés sur la terre. Je consacrerais ma vie à créer des œuvres d'art dans le sol de mes ancêtres. J'ai également peint une multitude de peintures, créé des centaines d'estampes et me suis plongé dans le cinéma, la sculpture et la musique.

Quelle est la partie la plus satisfaisante de ces créations ?

L'élément le plus satisfaisant de la création d'œuvres énormes avec plusieurs assistants, propriétaires fonciers, horticulteurs, photographes, étudiants et la communauté est la “nature collective” de l'expérience – un sentiment d'utiliser la “création” de l'œuvre comme catalyseur d'échange et éclaircissement. J'ai l'impression que les œuvres sont, au mieux, une plate-forme de discussion sur la nature, la relation de l'humanité avec la nature, l'environnement et l'art en tant qu'agent de changement.

Quel type d'outils utilisez-vous pour fabriquer ces pièces ?

Les outils sont similaires à ceux d'un jardinier, d'un agriculteur ou d'un architecte paysagiste. Des pelles, houes et râteaux aux tracteurs, charrues, perceuses, tondeuses et, bien sûr, de nos jours, les drones capturent les progrès et nous permettent de peaufiner l'image sous la caméra en direct. Autrefois, nous utilisions des avions et des hélicoptères.

Photo : The Art of Zarr

Comment est née l'idée et la collaboration pour le portrait de Stephanie Wilson ?

Le projet de Stephanie Wilson a évolué à partir de mon portrait précédent de John Lewis créé dans un parc à Atlanta comme un pari politique pour attirer l'attention sur la politique “progressiste” menant aux élections cruciales “au second tour” en Géorgie. Ma co-collaboratrice, Christina Korp, m'a par la suite demandé de m'impliquer dans le programme Artemis, auquel Mme Wilson est impliquée. Mes récentes relations d'Atlanta avec la City ont contribué à faciliter cet effort.

Avez-vous une œuvre d'art en particulier dont vous êtes le plus fier ?

Young Woman of China est mon travail le plus ambitieux à ce jour. J'ai passé deux ans dans le sud-ouest de la Chine à travailler avec 150 ouvriers, ingénieurs, artistes, maçons, jardiniers, opérateurs d'équipement lourd et chefs d'entreprise chinois. L'image est un hommage aux problèmes des femmes et de la population autochtone—quatre acres, couvre-sol, fleurs indigènes, marbre, pierre et granit. L'image survivra à un tremblement de terre et durera cent ans.

Stan Herd : Site Web | Instagram

My Modern Met a obtenu la permission de partager les photos de Stan Herd.

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Une panthère de Floride en voie de disparition, Puma concolor coryi, au Lowry Park Zoo de Tampa. (Photo : Joel Sartore/National Geographic Photo Ark)

Depuis 2005, le photographe Joel Sartore mène une chasse aux images dans le but de documenter la biodiversité mondiale à travers le projet du National Geographic Photo Ark. Maintenant dans sa 15e année, Photo Ark est devenu un outil important pour sensibiliser aux problèmes liés à la conservation de la nature et des espèces. Alors que Sartore se rend dans les zoos et les réserves fauniques du monde entier, il rappelle au public l’existence d’espèces précieuses que nous risquons de perdre.

Ayant créé des portraits de plus de 11 000 espèces sous soins humains, Sartore est sur la bonne voie pour atteindre son objectif de photographier 20 000 animaux en 20 ans. Des amphibiens et reptiles aux oiseaux, poissons et mammifères, le projet Photo Ark est un rappel de ce qui peut arriver lorsque nous détruisons les précieux habitats nécessaires à la prospérité de ces animaux. Les portraits sont utilisés comme outils pédagogiques en classe et à travers des expositions et des publications, sensibilisant le grand public.

Alors que le projet Photo Ark célèbre son 15e anniversaire, il continue d'alimenter la conversation sur les espèces menacées. Pour célébrer cet anniversaire spécial, Photo Ark organise actuellement une promotion sur son inventaire de tirage. Rendez-vous simplement sur la boutique Photo Ark, utilisez le code PhotoArk15 avant le 31 août 2021 et vous bénéficierez d'une remise. Tous les profits de la boutique aident à financer le projet.

Nous avons eu la chance de discuter avec Sartore et de lui demander de revenir sur 15 ans de Photo Ark. Poursuivez votre lecture pour l'interview exclusive de My Modern Met.

Un koala menacé d'extinction, Phascolarctos cinereus, avec ses bébés au Australia Zoo Wildlife Hospital. (Photo : Joel Sartore/National Geographic Photo Ark)

Comment la mission de Photo Ark a-t-elle évolué au cours des 15 dernières années, si tel est le cas ?

La mission derrière le projet du National Geographic Photo Ark n'a pas changé. Au contraire, j'ai l'impression que nous avons eu un impact réel. Lorsque j'ai lancé l'Ark il y a 15 ans, ma mission était d'inspirer les gens à aider à protéger les espèces et à les amener à s'en soucier. Ce sera toujours une bataille difficile, mais je suis fier de dire que nous avons réellement fait avancer les choses.

Un loris lent nain, Nycticebus pygmaeus, au zoo et aquarium Henry Doorly d'Omaha. (Photo : Joel Sartore/National Geographic Photo Ark)

Au cours de ces 15 années, quel est le moment dont vous êtes le plus fier avec Photo Ark ?

J'en ai quelques-uns, mais le National Geographic Magazine a rassemblé il n'y a pas si longtemps une histoire sur le travail que beaucoup font pour sauver le bruant sauterelle.

Historiquement, le bruant sauterelle habitait les prairies du centre de la Floride. Au cours des dernières années, cependant, il a frôlé l'extinction, les biologistes ayant du mal à en trouver la raison. Lorsque Photo Ark a couvert l'oiseau pour un article de couverture de Audubon Magazine, il a attiré tellement d'attention que le gouvernement américain est passé de 20 000 à 30 000 dollars par an pour documenter sa disparition à 1,2 million de dollars pour lancer un programme d'élevage en captivité. Ce programme d'élevage est un succès aujourd'hui, et il y a donc un réel espoir pour le moineau, grâce au travail acharné des chercheurs et des centres d'élevage tels que le White Oak Conservation Center à Yulee, en Floride.

Deux Rhinopithèque de Roxellane, Rhinopithecus roxellana, à Ocean Park Hong Kong. (Photo : Joel Sartore/National Geographic Photo Ark)

Vous êtes maintenant à plus de la moitié du projet de 25 ans. Quelle a été la partie la plus difficile de Photo Ark ?

Mon objectif est de photographier les 20 000 espèces des zoos, aquariums et réserves fauniques du monde. Actuellement, j'ai photographié près de 12 000 espèces. Je vais devoir voyager plus loin pour obtenir des images des espèces restantes pour Photo Ark.

Quelle est la liste à venir et quel est la stratégie pour les 10 prochaines années ?

Eh bien, je suis maintenant capable de voyager un peu plus. Au cours des derniers mois, j'ai parcouru l'Amérique en voiture pour prendre des photos d'espèces dans divers zoos et aquariums (et certains même dans ma propre arrière-cour à Lincoln dans le Nebraska), ce qui a été passionnant. Bientôt, je travaillerai au Pérou, au Moyen-Orient et en Asie du Sud-Est. Pendant les 10 prochaines années ou plus, je continuerai à travailler sur Photo Ark. Essentiellement, je le ferai probablement pour le reste de ma vie.

Un bébé orang-outan de Bornéo en voie de disparition, Pongo pygmaeus, nommé Aurora, avec sa mère adoptive, Cheyenne, un croisement Bornéo/Sumatra, Pongo pygmaeus x abelii, au zoo de Houston. (Photo : Joel Sartore/National Geographic Photo Ark)

Qu'espérez-vous que le public retienne de votre travail ?

Je veux que les gens se soucient, tombent amoureux et agissent pour la conservation des espèces.

Littéralement, notre avenir dépend de la nature. Nous ne pouvons pas continuer à détruire une espèce et un écosystème l’un après l'autre et penser naïvement que cela n'aura pas d'importance pour l'humanité. C'est tout le contraire : tout ce dont nous dépendons, notre air, notre eau et notre nourriture, est en jeu.

Quelle est l'espèce que vous n'avez pas encore photographiée et que vous espérez mettre devant la caméra ?

J'espère prendre une photo du Boto, également connu sous le nom de dauphin rose de l'Amazone ou encore Inie de Geoffroy. Il ne vit qu'en eau douce en Amérique du Sud. Seul l'avenir nous le dira.

Un tigre de Malaisie en voie de disparition, Panthera tigris jacksoni, au zoo d'Omaha Henry Doorly. (Photo : Joel Sartore/National Geographic Photo Ark)

Joel Sartore Photography : Site Web | Facebook | Instagram | Twitter

My Modern Met a obtenu l'autorisation d'utiliser les photos de National Geographic.

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Passionnée par le tissu et guidée par son intuition, l'artiste Mariko Kusumoto crée des sculptures inspirées par les choses qui la fascinent. Les pièces, parfois portables, tournent souvent autour de l'océan, et les habitants marins, comme le corail, inspirent les formes. Elles se marient parfaitement avec la douceur et les qualités translucides du tissu; les pièces ont une qualité houleuse comme si elles étaient sous la mer.

Kusumoto travaille le tissu depuis huit ans. Pendant près de deux décennies avant cela, cependant, elle s'est concentrée sur le travail du métal. C'est après une pièce en métal particulièrement difficile qu'elle a décidé d'essayer de créer avec du tissu et a depuis « exploré les possibilités infinies et illimitées » du matériau. Les résultats aux couleurs pastel sont imprégnés d'un sens du jeu et de l'émerveillement, des qualités que Kusumoto cultive activement dans son art textile.

Nous avons eu le plaisir de parler avec Kusumoto de son parcours artistique et de ce sur quoi elle travaille actuellement. Faites défiler pour lire l'interview exclusive de My Modern Met.

Quel est votre parcours artistique ?

Quand j'étais au collège, j'ai décidé de devenir artiste, alors je suis allée dans un lycée qui proposait une formation aux beaux-arts. Là, j'ai appris l'art en général, comme la peinture, la sculpture, le design et l'histoire de l'art. J'ai vraiment passé un bon moment, puis je suis allé dans une école d'art après ça. J'étais donc déterminée à devenir artiste dès mon plus jeune âge.

Quand je suis entrée dans une école d'art au Japon, ma spécialité était la peinture à l'huile. Au début de ma première année, j'ai pu choisir entre une spécialisation en peinture à l'huile ou en gravure, j'ai donc décidé de passer à la gravure en me concentrant sur la gravure sur métal.

Le métal est un matériau que je connais depuis mon enfance. Ayant grandi dans un temple bouddhiste fondé il y a 400 ans, j'ai toujours été entourée par la beauté de la nature et des choses anciennes, comme la peinture palie sur les marches en bois et en pierre avec des creux créés par des siècles de gouttes de pluie s'égouttant du toit. J'étais également fasciné par les ornements élaborés en métal et en bois fabriqués par des artisans qualifiés qui se trouvaient dans tout le temple; polir les ornements des autels était l'une de mes corvées. J'ai donc toujours été intéressé par le métal.

En classe, j'ai appris les techniques de la photogravure, et je me suis retrouvée plus fascinée par le métal que par les images imprimées sur le papier. Après avoir suivi un petit cours de sculpture sur métal, j'ai commencé à faire des sculptures métalliques en trois dimensions en utilisant des techniques de photogravure. Après cela, j'ai travaillé le métal pendant environ 18 ans, puis j'ai commencé à travailler le tissu il y a environ huit ans.

Comment en êtes-vous venu à travailler le textile ?

La construction métallique est mon objectif principal depuis 1995; mais en 2013, après avoir terminé une pièce en métal très complexe et techniquement difficile, j'ai ressenti le besoin de m'éloigner de l'imagerie purement figurative et de faire quelque chose de plus abstrait et organique, et avec un matériau différent. Le résultat a été mon travail de tissu.

Le tissu est tout le contraire du métal. J'aime la douceur du tissu que j'utilise, ainsi que la nature atmosphérique de sa translucidité. Le plein potentiel de ce que je peux faire avec le tissu m'est encore inconnu. Je suis en voyage pour explorer les possibilités infinies et illimitées de ce matériau.

J'ai appris et exploré différents types d'art et de matériaux tout au long de ma vie, et maintenant j'ai l'impression qu'ils ne font plus qu'un.

Comment vos techniques de travail du métal ont-elles influencé votre travail actuel ?

Dans mon travail actuel sur tissu, j'utilise les techniques du métal de différentes manières. J'utilise le métal comme support structurel car le tissu est un matériau souple. Je fabrique mes propres moules en métal pour créer les formes du tissu. Je fais des supports pour les broches. Je combine également le métal et le tissu dans le cadre de la conception. Mon expérience avec le métal a été très utile et je suis si heureuse de savoir comment le travailler.

Il y a des moments dans votre processus que vous dites « à couper le souffle » et vous choisissez de les développer à ce stade. Pouvez-vous en parler un peu plus ?

Les bonnes idées me viennent souvent, mais penser à des idées dans sa tête et travailler avec des matériaux réels sont des expériences très différentes. Je fais beaucoup de découvertes en travaillant sur des pièces auxquelles je n'aurais jamais pu penser à l'avance.

Chaque fois que je travaille sur quelque chose, cela ouvre souvent de nouvelles portes qui conduisent une pièce dans une toute nouvelle direction, révélant plus de possibilités.

J'ai toujours l'impression que les possibilités sont infinies et que les idées ne cessent de se développer. J'ai déjà tellement d'idées et j'ai découvert tellement de choses que je ne pourrai probablement pas toutes les réaliser de mon vivant.

Comment avez-vous appris à suivre cet instinct ?

Je me permets beaucoup de liberté, et la flexibilité et la créativité dans mon esprit ne sont pas limitées par des catégories ou des règles, ce que je crois très important pour un artiste.

Quel genre de choses cela a-t-il révélé?

J'apprécie l'illustration, le graphisme, l'architecture, la peinture, la gravure, la mode… toute forme d'art peut m'influencer et m'inspirer. Même si je ne travaille pas dans ces catégories, je crois qu'il n'y a vraiment pas de frontières dans l'art, c'est tout un. Être exposé à une variété d’arts forme et sophistique votre sens esthétique et vos instincts.

Quelle est l'inspiration pour l'ensemble de votre travail actuel?

Je suis inspirée par et j'apprends directement de la nature. Par exemple, un jour, j'ai trouvé un très beau corail cerveau dans un marché aux puces. Parce que j'étais tellement fascinée par elle, j'ai appris comment elle était structurée et je l'ai recréée avec du tissu. La nature est le meilleur professeur.

Je m'intéresse aux créatures marines, aux plantes, au monde microscopique, aux diatomées, aux cellules, etc. Je suis toujours fascinée par les formes systématiquement formées et émue par les merveilles de la nature.

J'aime particulièrement les créatures marines, ce sont des œuvres d'art à elles seules et je suis toujours époustouflée par leur beauté. Chaque fois que j'en ai l'occasion, j'aime regarder des films documentaires sur l'océan profond. Je suis constamment émerveillée par des créatures que je n'ai jamais vues auparavant. Il y a tellement de créatures que nous n'avons pas encore découvertes. L'océan est plein de mystères.

(suite) J'apprécie également l'élément d'ambiguïté qui a tendance à être intégré dans une grande partie de mon travail. Mon intention avec les pièces de tissu n'est pas seulement d'imiter la nature ou le monde naturel, mais plutôt de communiquer l'expérience sensorielle perçue de la rencontre avec le sujet dans la nature.

En plus d'être inspirée par la nature, je suis également inspirée par le matériau lui-même. La rencontre de différents types de matériaux dans la vie quotidienne est importante pour moi. Parfois, je tombe sur un matériau que je trouve envoûtant, et cela m'attire et stimule mon imagination.

Le tissu est l'un des matériaux de tous les jours les plus familiers. Même si le mot « tissu » semble assez simple, la gamme des différents tissus est large, avec des caractéristiques uniques qui peuvent susciter une variété de sensations ou d'émotions. Certains tissus impliquent une sensation d'humidité fraîche, d'autres ont un duvet réconfortant; il y a des tissus qui invoquent le mystérieux ou l'éthéré; il y a des tissus qui inspirent la tranquillité; et certains tissus suggèrent la fragilité, la subtilité, etc.

Je développe des pièces en tissu qui reflètent mon fort intérêt pour la matière elle-même. Le tissu est intrinsèquement l'opposé du métal, matériau avec lequel j'ai travaillé auparavant exclusivement pendant de nombreuses années. Je m'efforce de faire ressortir les caractéristiques inhérentes et la beauté du tissu. En utilisant une technique propriétaire de thermofixation, je lui donne une nouvelle identité en la remodelant en formes tridimensionnelles. Parce que j'aime la translucidité du tissu, en travaillant avec des couches et en ajoutant ou en déplaçant des pièces, je peux créer des atmosphères ludiques, mystérieuses et éthérées.

Quelle est la prochaine étape pour vous ? Quelque chose à l'horizon dont vous pouvez nous parler?

Actuellement, je me prépare pour une exposition solo au Morikami Museum en Floride en mai 2022. J’exposerais des pièces de tissu sculpturales et portables. Travailler à plus grande échelle est un défi pour moi, mais cela peut aussi ouvrir une nouvelle porte. Je crois que cela me mènera dans une autre nouvelle direction.

Mariko Kusumoto : Site Web | Instagram | Facebook

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Les crayons sont l'une des fournitures artistiques les plus élémentaires, utilisées pour une variété de tâches allant de la réalisation de croquis préliminaires à la production de dessins incroyablement détaillés. Cependant, l'artiste bosniaque Jasenko Đorđević porte l'art au crayon à de nouveaux sommets avec ses sculptures complexes de mine de crayon. Transformant chaque crayon d'un simple outil de création artistique en un chef-d'œuvre à part entière, il fabrique méticuleusement chaque pièce en utilisant le noyau de graphite fragile comme toile.

Attiré par l'art à petite échelle depuis son enfance, Đorđević a expérimenté avec une variété de médiums avant de se tourner vers la mine de crayon. Il a été inspiré à l'origine par la sculpture au crayon miniature par l'artiste Dalton Ghetti, un pionnier de cette forme d'art. Cependant, l'artiste talentueux a depuis apporté son propre style et expression au médium, apprenant par par tâtonnement en cours de route.

Nous avons eu la chance de discuter avec l'artiste miniature et d'en apprendre davantage sur son processus et sa passion pour la sculpture à la mine de crayon. Poursuivez votre lecture pour l'interview exclusive de My Modern Met avec Jasenko Đorđević.

Comment avez-vous commencé à vous intéresser aux miniatures ?

Aussi longtemps que je puisse m'en souvenir, j'ai toujours manifesté de l'intérêt pour l'art, en particulier pour les miniatures. À l'école maternelle et primaire, j'ai eu mes premières rencontres avec le dessin et les formes, et, déjà, mes dessins étaient très petits par rapport au papier. J'ai aussi fait des petites sculptures en argile. Mais au fur et à mesure que j'ai grandi et changé, le matériel a fait de même. Pendant un certain temps, j'ai été très intéressé par l'art du pliage du papier, l'origami. Mon défi était de créer la forme la plus petite possible, ce que j'ai réalisé en l'an 2000. J'ai plié un petit bateau en papier avec un morceau de papier de 1,5 mm sur 2,5 mm, mais le bateau plié lui-même faisait 1 mm de diamètre. J'ai postulé pour le Livre Guinness des Records, mais pour des raisons administratives, il n'a pas été admis. 

(suite) Au début de l'année 2010, j'ai été initié à l'art de la sculpture sur graphite lorsque mon frère m'a envoyé un lien vers un artiste appelé Dalton Ghetti (présumé être le fondateur de cet art) et m'a mis au défi de faire quelque chose de similaire. Quelques jours ont passé et j'ai réussi à lui envoyer le produit fini. La première sculpture n'était pas si bonne, mais cela a suffi à éveiller en moi un intérêt pour ce type d'art. A l'époque où j'ai commencé, Ghetti était le seul artiste à faire ce type de sculptures, et, après moi, quelques autres artistes ont commencé à faire de même.

Qu'y a-t-il dans les crayons en particulier qui vous amène spécialiser tout votre travail dans ce médium ?

Le crayon a toujours été un outil pour faire de l'art, mais, dans ce cas, c'est l'art. Et c'est la première chose qui m'a inspiré. Cela a toujours été très symbolique pour moi, le crayon lui-même, et chaque sculpture qui en découle a un sens et une histoire derrière elle. La deuxième raison est le défi que pose le graphite. Le graphite est un matériau fragile et facilement cassable. Il faut beaucoup de concentration pendant de longues périodes de temps pour éviter toute casse pendant la production. De plus, le diamètre du crayon est compris entre 0,5 mm et 0,4 mm (selon le crayon), il n'y a donc pas beaucoup de place, surtout pas pour les erreurs. Si une erreur est commise, elle se mesure en dixièmes de millimètre. Chaque sculpture est un nouveau défi, et le chemin vers son achèvement est très imprévisible jusqu'à la fin.

Comment trouvez-vous habituellement des idées de quoi sculpter?

Mes motivations dépendent généralement du projet. Parfois, un projet nécessite un style pop art. Dans d'autres cas, l'inspiration vient de la nature, d'œuvres célèbres dans le monde de l'architecture, de reproductions d'œuvres d'art bien connues, etc. De plus, je crée souvent une sculpture qui reflète un certain problème de société, à la fois localement et globalement. Au début, je faisais des formes qui ne nécessitent pas beaucoup de détails et qui s'adaptent facilement à la surface en graphite. Maintenant, mes sculptures sont beaucoup plus complexes et demandent de la détermination. La plupart du temps, le design est choisi par le client, et je préfère en fait ceux-ci car ils ne sont pas subjectifs.

(suite) Lorsque je choisis quoi sculpter, je suis plus conscient de la procédure qui va avoir lieu, ainsi que des risques potentiels lors de la production. Quand je prends tout cela en considération, la plupart des idées sont rejetées au tout début. Le client n'a aucune idée des risques et n'est généralement pas au courant du processus de fabrication des sculptures. Ils ne connaissent pas non plus les dimensions de la sculpture et ses détails. Le client ne sait que ce qu'il veut en tant que design, et c'est à moi de donner vie à cette idée. Bien sûr, je dois parfois refuser un projet parce qu'il n'est pas techniquement possible.

À quoi ressemble le processus de création de chaque pièce ?

Cela commence par le choix d'un design. Parce que la surface du graphite est limitée, il n'est pas possible de mettre en œuvre toutes les idées. Tout d'abord, je dessine un motif de ce à quoi il est censé ressembler sur le crayon. Deuxièmement, j'estime quels sont les points faibles de la sculpture, les endroits où la sculpture pourrait facilement se briser. En fonction du dessin que je choisis et du type de crayon (rond ou carré), je prépare les bons outils (différents types de scalpels chirurgicaux), puis le processus peut commencer. Le processus de sculpture est divisé en deux phases. Au cours de la première phase, qui dure de cinq à dix heures, j'essaie d'obtenir les grandes lignes de la sculpture qui impliquent à quoi ressemblera le produit fini.

(suite) Après la première phase, je prends quelques images haute résolution pour voir si des corrections supplémentaires sont nécessaires. Ces sculptures mesurent environ 4 mm de diamètre et 10 à 20 mm de haut, il est donc très difficile de remarquer les moindres détails à l'œil nu. Lorsque je suis certain que la sculpture satisfait à tous mes critères esthétiques souhaités, la phase deux peut commencer. La phase deux est la phase de détail, la phase où tous les petits détails sont faits. Cette partie nécessite un microscope, et cela peut prendre jusqu'à deux jours, selon la complexité de la sculpture. Lorsque la phase deux est terminée, la sculpture l'est aussi. Comme dernière étape, je prends quelques photographies pour mes archives et leur donne un numéro de série.

Quelle a été la partie la plus difficile de votre carrière d'artiste ?

Le tout début a été le plus difficile car, à ce moment-là, je n'avais que l'idée et non le savoir-faire pour réaliser des sculptures. J'ai utilisé le crayon comme un outil, sans penser à son épaisseur, à la qualité du graphite, et surtout pas aux marques sur le crayon (H et B) qui le décrivent. De plus, il n'y a pas d'outils spécifiques conçus pour ce type d'art. Avec le temps, j'ai appris les différences entre les types de graphite et leur dureté, pour finalement trouver le meilleur crayon qui convient à mes besoins ainsi que les bons outils.

Qu'est-ce qui a été le plus gratifiant ?

Cela devrait être la période de 2015 à 2016 où mon travail a été remarqué par les forums Internet et diverses agences de presse. En conséquence, il a été partagé avec le reste du monde. Pendant cette période, beaucoup de portes se sont ouvertes à moi. J'ai même eu ma première exposition internationale en Norvège. C'est à ce moment-là que j'ai décidé que ce serait la voie que je choisirais de suivre, et j'ai l'impression de ne pas m'être trompé.

Avez-vous une pièce ou un projet préféré sur lequel vous avez travaillé jusqu'à présent dans votre carrière ?

J'ai quelques projets et campagnes qui ont une place spéciale dans mon cœur. L'un d'eux est Project Literacy où j'ai réalisé une série de sculptures qui reflètent les droits de l'homme. Le projet que j'ai réalisé pour Amnesty International avait également pour objectif d'aider les personnes qui ont été lésées. J'aime travailler sur ce type de projets car je peux aborder certains problèmes sociaux avec mon travail.

Y a-t-il autre chose que vous aimeriez partager sur votre travail ?

Je fais ça depuis très longtemps et je ne m'en lasse pas encore. Cela m'a donné du sens, des opportunités, (bien sûr) du plaisir, et enfin, mais surtout, cela m'a donné de la liberté. Libération de la monotonie de la vie quotidienne et, parfois, liberté de mes propres pensées.

Jasenko Đorđević : Site Web | Instagram | Facebook | Twitter

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Internet est un vaste espace. Beaucoup d'entre nous existent dans nos propres communautés, et nous n'avons peut-être aucune idée de ce qui se trouve juste au-delà de nos frontières numériques auto-imposées. Mais que se passe-t-il en dehors de nos forums et blogs préférés ? Pour le savoir, vous aurez peut-être besoin d'une carte. Martin Vargic de Halcyon Maps a créé une fascinante Carte d'Internet 2021 – une mise à jour de sa version 2014 – qui détaille une diffusion complète de style vintage d'Internet. Il décrit les réseaux sociaux les plus populaires et les plus grands sites selon une analyse Alexa des 500 meilleurs sites Web du monde.

Des géants comme Google et YouTube aux plus spécialisés (mais toujours populaires) comme Forbes et Tumblr, Vargic trace ces lieux virtuels sur une carte et les entoure de sites Web ou de services connexes. Il est facile de se perdre en regardant tous les sites qui composent le monde. Et pour Vargic, cela faisait partie du but de sa création.

“Dans l'ensemble, j'espère que la carte d'Internet donnera aux gens une meilleure vue d'Internet dans son ensemble et leur permettra de l'explorer sous un tout nouvel angle, en mettant plus d'ordre et en condensant la complexité et le chaos du World Wide Web en un package plus gérable, mais toujours complet”, explique-t-il à My Modern Met. “Beaucoup de gens pourraient découvrir de nouveaux sites ou logiciels utiles et intéressants dont ils n'ont jamais entendu parler, comme je l'ai certainement fait lors de la création de la carte, et surtout, offrir une expérience visuelle longue, profonde, intrigante et agréable.”

Nous avons continué à discuter avec Vargic de sa vaste carte d'Internet 2021 – faites défiler pour notre interview exclusive. Et si vous souhaitez accrocher cette carte sur votre mur, des affiches de haute qualité sont désormais disponibles sur Zazzle.

Qu'est-ce qui vous a inspiré en premier pour créer une carte d'Internet ?

L'inspiration pour ma première carte d'Internet est venue d'une bande dessinée xkcd « la carte des communautés en ligne », qui dépeint bon nombre des communautés, forums et blogs en ligne les plus importants et les plus populaires comme des pays sur une carte. J'ai vraiment aimé le concept, et en 2014, j'ai décidé de le faire à une échelle beaucoup plus grande et de représenter tous les aspects d'Internet, pas seulement les réseaux sociaux et les blogs.

Depuis lors, cependant, le paysage d'Internet a considérablement changé et l'ancienne carte est devenue de plus en plus obsolète. Dans le même temps, je me suis considérablement amélioré en tant qu'artiste et designer et j'ai pensé que la carte de l'Internet méritait d'être revisitée, et le concept a été exploré et réalisé à une échelle encore plus ambitieuse et complète, en intégrant la carte actuelle de l'Internet 2021.

Quels critères avez-vous utilisés pour déterminer les sites Web les plus populaires ?

La popularité des sites Web est basée sur les données recueillies et traitées par Alexa. Alexa surveille quotidiennement des millions de sites Web et utilise une formule complexe pour classer les sites Web en fonction de leur popularité et de leur trafic. Une liste des 500 meilleurs sites Web est disponible publiquement gratuitement, tandis que beaucoup plus peuvent être trouvées avec un abonnement. De plus, des analyses historiques complexes sont disponibles pour pratiquement tous les sites Web.

Comment avez-vous décidé de la taille et de l'emplacement relatifs des sites Web/pays ?

La taille territoriale des sites Web est basée sur ce classement Alexa, en moyenne entre janvier 2020 et janvier 2021. Les règles de mise à l'échelle sont simples : le site Web le plus populaire (Google) est le plus grand, le deuxième le plus populaire, YouTube, est le deuxième, le troisième site le plus populaire est le troisième, et le même principe est appliqué à plus de 3 000 sites Web.

Les sites Web sont regroupés en fonction de leur catégorie et de leurs objectifs généraux, tels que le commerce électronique, le partage de vidéos, les réseaux sociaux d'hébergement d'images, les encyclopédies en ligne, les sites d'éditeurs de logiciels et bien d'autres. Il y a bien plus de 100 de ces groupes/régions de sites sur la carte, alors que j'ai également essayé de prendre en compte la langue et la culture (c'est-à-dire au sein de chaque région, les sites Web du même pays sont souvent également regroupés).

Quelle a été l'une des choses les plus difficiles dans la création de cette carte ?

La taille même de celle-ci était de loin le plus difficile. Au total, il m'a fallu plus de 1 000 heures pour créer la carte, distribuée en six mois. La carte comprend également environ 20 000 « villes », qui présentent des fonctionnalités, des produits, des sous-catégories ou les créateurs et contributeurs de contenu les plus populaires (alors que les PDG et les fondateurs sont représentés par des « capitales »). J'ai dû faire des recherches approfondies pour en dresser une liste pour chaque site majeur, beaucoup sinon la plupart en langues étrangères – une grande partie de la carte montre des sites Web chinois où la traduction directe n'est pas facile.

Qu'est-ce que la création de cette carte vous a appris sur l'état actuel du World Wide Web ?

Depuis 2014, la popularité des sites Web non anglophones a considérablement augmenté : environ un tiers des 50 sites Web les plus visités au monde sont basés en Chine, Tmall, QQ, Baidu et Sohu dépassant Amazon, Yahoo et même Facebook en termes de trafic. Il existe également une quantité beaucoup plus importante de sites populaires indonésiens, indiens, iraniens, brésiliens et autres qu'il y a sept ans. Lors de la création de la carte, j'ai dû faire des recherches considérables sur le contenu de ces sites Web, leurs services, leurs fonctionnalités et les utilisateurs les plus populaires, ce qui n'était pas très facile avec autant de langues différentes.

Quels sont certains des changements les plus importants que vous ayez vus sur Internet depuis 2014, et comment cela se reflète-t-il dans la carte 2021 elle-même ?

La popularité des sites de streaming, de vidéo et de webcams en direct, des sites d'actualités, ainsi que des sites d'administration en ligne et d'éducation, a considérablement augmenté depuis 2014, tandis que la popularité relative des sites des éditeurs de logiciels, ainsi que de nombreux forums, communautés, les imagesboards et les sites pornographiques ont baissé.

Comment votre création de carte a-t-elle changé ?

Depuis 2014, alors que j'avais 15-16 ans, mes compétences se sont considérablement améliorées. La première carte a été dessinée dans paint.net, à basse résolution, avec un plugin délabré utilisé pour rendre le texte incurvé avec un espacement incohérent. Depuis lors, j'ai travaillé sur une multitude d'autres projets et travaille maintenant dans Photoshop avec des fichiers de meilleure qualité à une résolution beaucoup plus élevée.

Quel est votre prochain projet ?

Comme la carte a pris beaucoup de temps à faire, je ne pense pas que je travaillerai bientôt sur une nouvelle. Je prévois de me concentrer sur d'autres projets pour l'instant, comme une nouvelle série retravaillée de cartes et d'affiches du monde réel et historique, une série de vidéos YouTube éducatives, un tableau périodique, ainsi que de nouvelles affiches infographiques, montrant des choses telles que le températures extrêmes, profondeurs de la mer et vue d'ensemble du spectre électromagnétique.

Halcyon Maps : Site Web | Facebook 

My Modern Met a obtenu la permission de présenter les photos de Martin Vargic.

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L'océan a toujours fait partie de la vie du photographe Luke Shadbolt. Ayant grandi sur la côte australienne, les vagues étaient omniprésentes, une constante depuis son enfance jusqu'à l'âge adulte. La relation a été intensifiée par sa dévotion au surf dans son adolescence. En tant qu'étudiant créatif, il est tombé amoureux de la photographie et voulait photographier les vagues, mais ne savait pas trop comment s’y prendre. Une fois qu'il est devenu directeur artistique pour un magazine de surf et qu'il a acheté l'équipement approprié pour filmer sous l'eau, il a commencé à explorer l'océan d’une toute nouvelle manière.

Shadbolt est habile pour transmettre l'immensité de l'océan tout en mettant en valeur ses détails les plus fins et dramatiques. Ses compositions les plus frappantes mettent en scène des vagues géantes où les courants forment des calottes blanches et produisent des eaux mousseuses nées d'une immense puissance. C'est ici, dans ces plans fixes fascinants, que nous voyons les  ‘veines’ d'une vague, qu'elles fusent vers une crête ou s'inclinent dans un moment de calme relatif. Parfois, Shadbolt inclura ces deux états dans la même photo afin de nous rappeler que la nature prend de nombreuses formes, souvent en duel.

Nous étions ravis de parler avec Shadbolt de son parcours dans la photographie de vagues. Poursuivez votre lecture pour découvrir l'interview exclusive de My Modern Met.

Quand avez-vous découvert votre passion pour l'océan ?

Je ne suis pas sûr qu'il y ait eu un tournant définitif car l'océan faisait simplement partie de la vie quotidienne en grandissant sur la côte australienne. Cela fait partie du tissu de votre jeunesse, vous apprenez à le comprendre et à le respecter dès le plus jeune âge. Je ne sais pas si c'est juste moi, mais j'ai l'impression que, pour tous ceux qui ont grandi avec l'océan comme terrain de jeu, il y a un appel tacite qui a lieu. Cela peut être tous les jours, ou peut-être une fois par mois ou même moins, mais finalement, vous devez retourner à l'océan pour vous ressourcer. Surtout s'il y a une grosse houle, il y a juste une énergie qui vous ramène en arrière et détourne votre attention de toute autre chose.

Qu'est-ce qui vous a inspiré pour commencer à prendre des photos de vagues ?

Quand j'étais plus jeune, je dessinais et peignais toujours, mais à l'adolescence, le surf est devenu presque une dépendance. Un peu plus tard, lors de ma première année d'université en licence d'art, je ne savais toujours pas ce que je voulais faire de ma vie, mais l'un des cours que j'ai suivi était la photographie et j'ai vraiment adoré. J'ai fini par passer à un diplôme en communication visuelle et cela impliquait beaucoup de photographie. J'avais toujours voulu me lancer dans la photographie de surf mais je ne savais pas vraiment par où commencer, ni si c'était une carrière viable. Après avoir travaillé dans le graphisme pendant quelques années, j'ai fini comme directeur artistique d'un magazine de surf et en même temps je venais d'acheter un reflex numérique et un caisson sous-marin, j'avais donc un débouché direct pour filmer du surf et c'est là que ça a commencé.

Quelle est votre partie préférée quand vous photographiez la mer ?

Le simple fait d'être autour de l'océan est la meilleure partie. C'est un peu comme un bouton de réinitialisation ou une forme de méditation. Je me sens très privilégié de faire l'expérience de ces extrémités de la nature, il s'agit vraiment de l'expérience plus que tout, les photos qui en résultent ne sont toujours qu'un simulacre.

Partez-vous avec un plan de ce que vous aimeriez photographier ? Ou, en fonction des conditions de l'eau à ce moment-là, devez-vous être spontané dans vos compositions ?

J'ai tendance à aller à un endroit spécifique avec un concept en tête, mais avec une telle dépendance à la nature qui joue son rôle, les conditions déterminent finalement la direction finale. Cela peut être frustrant lorsque la houle, le soleil ou le vent ne coopèrent pas comme vous l'aviez envisagé dans votre esprit, mais j'aime avoir cette flexibilité et tirer parti de l'expérience d'être dans le moment présent.

Il semble que parfois vous soyez dans l'eau en train de prendre des photos alors que d'autres fois vous êtes bien au-dessus. Comment les considérations clés pour vos photos changent-elles en fonction de l'endroit où vous vous trouvez ?

Cela dépend de tous les facteurs environnementaux, ainsi que de ce que j'essaie d'accomplir. Vous devez prendre en compte l'endroit où vous photographiez, la taille de la houle, la marée, le vent, la lumière et associer cela à un concept ou une idée. J'ai souvent en tête certains endroits pour des conditions spécifiques, mais pour une grande partie de ce que je photographie, ces conditions ne s'alignent qu'une ou deux fois par an.

Quel type de matériel utilisez-vous pour capturer vos photos ?

La technologie joue certainement un grand rôle dans la façon dont je regarde et interagit avec le monde. Je m'intéresse à la façon dont la technologie peut élargir davantage notre compréhension ou notre expérience de la réalité, et pouvoir avoir accès à de nouveaux équipements qui offrent de nouvelles perspectives est quelque chose que j'explore en ce moment. En ce qui concerne l'appareil photo que j'utilise, je photographie sur quelques appareils différents, du numérique et du film en fonction du projet, mais pour la majorité de ce que je photographie j’utilise le Nikon D850.

Quel type d'équipement spécial utilisez-vous pour photographier dans/autour de l'eau ?

Pour les équipements sous-marins et de protection, j'utilise les caissons sous-marins et les protections contre les intempéries AquaTech depuis plus de 10 ans maintenant et je ne peux que les recommander davantage. J'ai aussi récemment fait fabriquer un boîtier sous-marin pour un Broncolor Siros 800 flash avec lequel j'expérimente.

La dualité est un motif commun de votre travail. En quoi ça vous intrigue ? Comment avez-vous trouvé différentes façons d'explorer le thème ?

C’est définitivement quelque chose que j’ai découvert à travers mon travail. J'ai l'impression que tout ce qui explore l'océan, ou même simplement l'eau, en général, examinera la dualité et l'équilibre comme thème central. L'eau obscurcit et nettoie, selon votre point de vue. Il s'agit vraiment de comprendre que la nature est une représentation et un reflet de la vie. Les absolus sont rares dans la nature, et être capable d'apprécier et de comprendre plusieurs perspectives est ce qui vous permet d'apprendre et de progresser et j'essaie de regarder ce que je photographie à travers ce même objectif.

Vous capturez des clichés extrêmes. Quel est le plus aventureux que vous ayez eu lors d'une séance de photographie ?

Un récent voyage aux îles d'Aran était peut-être le plus aventureux; photographier du haut de falaises abruptes de 45 mètres avec des rafales de vent à 90 km/h et des pluies torrentielles était assez intimidant. Le faire en solo n'était peut-être pas la meilleure des idées. Cela ne semble jamais aussi aventureux sur le moment jusqu'à ce que vous regardiez en arrière avec du recul. Encore une fois, tout est une question de point de vue.

Qu'est-ce que l'avenir vous réserve ? Quelque chose d'excitant dont vous pouvez nous parler ?

Ma femme et moi attendons notre premier enfant dans quelques mois ! Je suis très heureux de fonder une famille. Je travaille actuellement à une exposition à Sydney à la galerie Michael Reid prévue pour plus tard cette année, ainsi qu'à une exposition de groupe à la Gosford Regional Gallery en décembre. J'ai récemment expérimenté avec la sculpture et la vidéo, je suis ravi d'étendre ma pratique aux nouveaux médias.

Luke Shadbolt : Site Web | Instagram | Facebook

My Modern Met a obtenu la permission de partager les photos de Luke Shadbolt.

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Chiang Mai, Thaïlande, 2010.
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Depuis plus de quarante ans, le légendaire photographe Steve McCurry parcourt le monde et documente la condition humaine à travers ses images emblématiques. Invariablement, son attention se tournait non seulement vers les humains et leur comportement, mais aussi vers les animaux qui nous entourent. Plus important encore, l'intérêt de McCurry pour la relation complexe entre les animaux, les humains et leur environnement était évident dans sa photographie. Steve McCurry. Animals, publié par Taschen, est une anthologie qui donne un aperçu différent de l'œuvre du photographe emblématique tout en offrant un regard intéressant sur la façon dont nous interagissons avec les animaux.

Du lien indestructible entre l’humain et l'animal de compagnie aux scènes déchirantes d'animaux en danger, Animals apporte de la profondeur et de l'humanité à des situations complexes d'une manière que seul Steve McCurry peut réaliser. Sur plus de 200 pages, la photographie honnête et émouvante de McCurry parle d'elle-même. Les images occupent le devant de la scène, avec des phrases littéraires relatives aux animaux présentés.

Ce n'est que lorsqu'on arrive à la conclusion d‘Animals que les secrets des photographies de McCurry sont révélés. Une section complète de légendes à la fin du livre place chaque photographie dans son contexte, permettant une expérience visuelle sans distraction.

Nous avons eu le privilège de parler avec Steve McCurry de son nouveau livre et de sa fascination pour la photographie animalière. Il révèle également certaines de ses images les plus mémorables du livre. Lisez l'interview exclusive de My Modern Met et procurez-vous votre exemplaire de Steve McCurry. Animaux dans n'importe quelle grande librairie ou en ligne.

Katmandou, Népal, 2013.

Région de l'Altaï, Mongolie, 2018.

Qu'est-ce qui vous a fasciné chez les animaux tout au long de votre vie ?

L'idée de photographier des animaux et des personnes a peut-être été implantée dans mon esprit depuis mes débuts en tant que jeune photographe. Ma sœur m'a offert mon premier livre photo, Son of a Bitch, une collection de photos de chiens et de leurs humains par le grand photographe et ami Elliott Erwitt. C'était la première fois que je voyais un livre photo avec de l'humour, pathos et une merveilleuse narration.

Mazar-i-Sharif, Afghanistan, 1991.

Chennai, Inde, 1996.

Comment avez-vous décidé du bon moment pour publier cette collection d'images ?

Je parcourais mes archives de photographies et j'ai remarqué que j'avais des centaines de photos d'animaux. C'est un sujet qui m'a toujours intéressé et j'ai remarqué au cours des dernières années que la société est en train de changer vis-à-vis de notre responsabilité envers les animaux. Par exemple, il y a des années, l'idée d'animaux de soutien émotionnel aurait semblé étrange. Aujourd'hui, personne ne cligne des yeux lorsqu'il voit des gens dans des avions avec des animaux.

Vallée de l'Omo, Éthiopie, 2013.

Bentota, Sri Lanka, 1995.

Avez-vous remarqué des points communs dans nos relations humaines avec les animaux après avoir photographié tant de rencontres à travers le monde ?

J'ai remarqué que les humains doivent être plus conscients des conditions animales. La situation de la faune sauvage devient de plus en plus périlleuse, tant d'espèces sont menacées d'extinction. La faune est décimée au point que, dans quelques années, certaines espèces cesseront d'exister dans leurs habitats naturels.

Al Ahmadi, Koweït, 1991.

Y a-t-il des photographies particulières du livre ou des expériences qui ressortent ?

Travailler au Koweït au lendemain de la première guerre du Golfe a été une expérience surréaliste et inoubliable. Il y avait 600 champs de pétrole en feu, des animaux paniqués et affamés erraient, et le paysage était parsemé de soldats irakiens morts. C'était navrant de voir ces animaux mourir, dont nous étions censés être les gardiens. Les animaux qui ont pu échapper à l'abattage ont été abandonnés et laissés à errer dans les rues à la recherche de nourriture et d'un abri.

Kaboul, Afghanistan, 1992.

(suite) Je me souviens avoir photographié un homme avec son chien à côté de son taxi qui a été détruit lorsque le bâtiment s'est effondré lors d'un bombardement à Kaboul. L'homme tenait son chien serré tout en pensant à l'avenir. C'était déchirant de voir l'homme perdre sa seule source de revenus.

Aranyaprathet, Thaïlande, 1998.

(suite) J'ai photographié ce moine novice étudiant les écrits bouddhistes en fin d'après-midi dans un monastère d'Aranyaprathet, en Thaïlande, près de la frontière avec le Cambodge. J'ai regardé la lumière changer pendant que les moines s'acquittaient des devoirs mondains et sacrés de leur journée. Avec la simple utilisation du bois et du tissu, des nuances de safran allant de l'or moutarde à l'orange foncé, leur environnement était serein. Le chat patient compléta la scène de contemplation et de paix.

Litang, Tibet, 2001.

Rome, Italie, 1994.

Selon vous, quelles sont les plus grandes leçons que les animaux peuvent nous enseigner en tant qu'êtres humains ?

Nous, les humains, pouvons en apprendre beaucoup sur le pardon et la loyauté. Notre famille avait un chien quand j’étais petit, et il attendait toujours pour nous saluer quand nous franchissons la porte et nous pardonne de l'avoir fait attendre pour sortir et courir. Il faisait partie de la famille et se pressait joyeusement dans la voiture pour les longs trajets, même si elle était bondée de monde, de valises, de collations, etc. Le simple fait d'être avec nous était une joie pour lui, et bien sûr, c’était une joie de l’avoir avec nous.

Yamanouchi, Japon, 2018.

Magdeburg, Allemagne, 1989.

Tonlé Sap, Cambodge, 1996.

Qu'espérez-vous que les gens retiennent du livre ?

J'espère que les gens verront les animaux comme des êtres intelligents qui méritent notre amour et notre respect. Dans la plupart des cas, nos animaux de compagnie dépendent totalement de nous pour leur survie et leur sécurité. Il est de notre devoir de les protéger comme nos propres enfants. Puisque nous créons souvent un lien spécial avec certains animaux, les gens devraient les traiter avec les soins qu'ils méritent.

Steve McCurry. Animals explore la relation complexe entre les humains et les animaux à travers le monde.

Steve McCurry : Site Web | Facebook | Instagram

Toutes les images © 2019 Steve McCurry, Long Island City, NY. My Modern Met a obtenu la permission de partager les photos de Taschen.

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Tharkish Sri Ganesh (10 ans) et Mierra Sri Varrsha, (8 ans) Kuala Lumpur, Malaisie, photographiés le 26 mars 2017. Les racines de Tharkish et Mierra en Malaisie commencent avec leur arrière-grand-père qui a migré de l'Inde du Sud pour construire un avenir meilleur, mais a seulement trouvé du travail comme sapeur de caoutchouc avant d'être enrôlé par les Japonais pour construire le « chemin de fer de la mort » du Siam à la Birmanie en 1943. Tharkish et Mierra vivent avec leur mère et leur père dans un projet de logements sociaux à Bukit Jalil, une banlieue de Kuala Lumpur. Leur immeuble est plein d'amis et bruyant dans le bon sens. Leur père travaille comme gaffer dans la production de films et leur mère est une femme au foyer et fait la plupart de la cuisine bien que le week-end, ils mangent KFC, Pizza Hut ou des plats à emporter chinois. Mierra n'aime pas l'odeur piquante de la viande et les traces de sang. Elle préfère les bonbons et les chocolats. Son premier souvenir de nourriture est la bouillie de riz, sa nourriture réconfortante chaque fois qu'elle tombe malade. La nourriture préférée de Tharkish est le puttu, du riz moulu cuit à la vapeur recouvert de noix de coco et garni de bananes et de sucre de palme. Tharkish n'aime pas les oignons car ils ont un goût étrange et laissent une drôle d'odeur dans sa bouche. Son premier goût était Urad Dal Porridge, un aliment indien pour bébé à base de dal, de riz, de noix de coco, de cardamome et de jaggery (sève de palmier dattier concentrée). Mierra dit que son alimentation est saine parce que sa mère évite les aliments contenant des conservateurs, des additifs, bien qu'après son portrait Daily Bread, elle pense toujours qu'elle pourrait manger moins d'aliments transformés. Mierra adore lire et jouer au badminton, aux serpents et aux échelles tandis que son frère aime les échecs, le carambole et surfer sur Internet. Mierra s'efforce d'être la meilleure élève de sa classe et veut être médecin tandis que Tharkish sera heureux d'avoir terminé dans le top 3 après les examens et s'imagine ingénieur informatique.
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Avec l'augmentation de l'obésité infantile et l'homogénéisation de la nutrition par la mondialisation, le photographe Gregg Segal a entrepris de découvrir à quoi ressemblait une semaine de repas dans le monde. En se concentrant sur le régime alimentaire des enfants, dont les habitudes alimentaires à vie sont créées au cours de ces années formatrices. Les superbes photographies de Segal abordent les thèmes de la nutrition, de la classe et de la culture.

Son nouveau livre, Daily Bread,  détaille sur 120 pages les histoires qui se cachent derrière les portraits. Chaque enfant a été invité à documenter exactement ce qu'il avait mangé au cours d'une semaine. Ces aliments étaient ensuite préparés et disposés autour d'eux pendant que Segal capturait leur image d'en haut. De Los Angeles à Kuala Lumpur, les cultures représentées sont un regard fascinant sur la façon dont nous sommes différents, mais à quel point nous devenons similaires.

Le travail de Segal est également un commentaire intéressant sur l'économie mondiale et son impact sur les habitudes alimentaires. Alors qu'aux États-Unis, les familles à faible revenu ont tendance à manger plus de grignotines en raison de leur faible coût, dans d'autres pays, la tendance est inversée. En fait, certains des régimes les plus sains au monde proviennent de cultures à faible revenu où l'accent est mis sur les fruits frais, les légumes, les noix et la viande où la malbouffe transformée est un produit de luxe.

Nous avons eu l'occasion de parler avec Segal de l'élan du projet, des défis de travailler à l'échelle mondiale et de ce qu'il espère que les gens retiendront de son travail. Lisez la suite pour notre interview exclusive et procurez-vous un exemplaire de Daily Bread: What Kids Eat Around the World.

Meissa Ndiaye, 11 ans, Dakar, Sénégal, photographiée le 30 août 2017. Meissa partage une chambre individuelle avec son père, sa mère et son frère au cœur des Parcelles Assainies. Banlieue sablonneuse et sans arbres de Dakar, Parcelles Assainies a été aménagée dans les années 1970 pour abriter les pauvres de la ville. Meissa vit en face du stade de football et du marché en plein air, des centaines d'étals vendant de tout, du poisson frais aux robes de mariée. Fin août, des chèvres attachées bordent les rues avant l'Aïd al-Adha, la fête du Sacrifice. Meissa, une fervente musulmane et étudiante à l'école coranique, adore la viande de chèvre et les aliments sucrés comme le porridge, même si la semaine où elle a tenu un journal de ses repas, elle a mangé très peu de viande. Le plus souvent, elle fait le plein de pain français farci de spaghettis, de petits pois ou de pommes de terre sautées. La mère et les tantes de Meissa préparent ses repas, bien qu'une ou deux fois par semaine, ils soient à emporter. Meissa aime avant tout le football et espère être une joueuse vedette comme Messi ou Ronaldo. Si elle avait assez d'argent, elle achèterait une belle petite voiture de sport. Elle souhaite que sa maman et son papa, technicien frigoriste, puissent immigrer en France pour gagner suffisamment d'argent.

Qu'est-ce qui vous a d'abord intéressé dans ce sujet ?

Daily Bread est né d'un autre de mes projets sur la consommation et les déchets appelé 7 Days of Garbage. J'ai demandé à la famille, aux amis, aux voisins et à toute autre personne que je pouvais convaincre de garder leurs ordures pendant une semaine, puis de s'allonger et d'être photographié dedans. Impossible d'ignorer le problème de la consommation et du gaspillage quand on est allongé dedans !

Pour moi, la chose la plus dérangeante à propos des ordures que j'ai photographiées était l'emballage qui accompagne notre nourriture. Nous sommes devenus totalement dépendants des industries de l'alimentation et de la cuisine et le résultat a été une augmentation massive des déchets. J'ai commencé à me demander comment nos régimes alimentaires ont-ils été touchés par cette révolution dans la façon dont les aliments sont produits et consommés ?

Cela m'a frappé que nous ne réfléchissions pas assez à ce qu'il y a dans notre nourriture parce que ce n'est pas nous qui la fabriquons ! Nous avons externalisé l'ingrédient le plus vital de la vie, le tissu conjonctif des familles et de la culture. J'ai pensé, et si nous tenions un journal de tout ce que nous mangeons et buvons pendant une semaine pour nous concentrer sur l'alimentation et prendre véritablement conscience des aliments que nous mangeons ?

Yusuf Abdullah Al Muhairi, 9 ans, Mirdif, Dubaï, Émirats arabes unis, photographié le 12 août 2018. La mère de Yusuf est venue d'Irlande à Dubaï pour travailler comme pâtissière et chocolatière. Elle a épousé un émirati et ils ont eu un fils avant de se séparer. Yusuf adore la cuisine de sa mère, même s'il prépare lui-même des œufs brouillés et des toasts. Yusuf aime lire, dessiner, grimper, monter à cheval et créer des projets scientifiques. Il pense qu'il sera soit pilote, soit policier quand il sera grand. S'il avait l'argent, il achèterait une Ferrari. Ses modèles sont Batman et sa mère. Yusuf souhaite que sa mère se remarie et qu'il ait des frères et sœurs. Allongé dans son lit la nuit, il repense à la construction d'un nichoir avec son grand-père, à la pêche avec lui dans les rivières d'Irlande et avoir visité Warner Brothers avec sa grand-mère.

Pourquoi avoir pris la décision de se concentrer sur les enfants et que pensez-vous que leurs habitudes alimentaires disent de notre société en général ?

Je me suis concentré sur les enfants parce que les habitudes alimentaires commencent jeunes et si vous ne faites pas les choses correctement à 9 ou 10 ans, ce sera beaucoup plus difficile quand vous serez plus âgé !

La mondialisation a eu un impact énorme sur les régimes alimentaires dans le monde. Deux exemples rapides de pays que j'ai visités, le Brésil et les Émirats arabes unis. Il y a une génération, les pauvres du Brésil étaient sous-alimentés. Aujourd'hui, 57% de la population est en surpoids. En 2014, il y avait 803 900 diabétiques aux Émirats arabes unis, soit environ 20 % de la population. Il y a 30 ans, le diabète existait à peine dans cette partie du monde.

Nous sommes à un point tournant. L'équilibre de ce que la plupart des enfants mangent maintenant s'éloigne considérablement des ragoûts et légumes faits maison vers des aliments emballés et des collations ultra-transformés, dont beaucoup sont conçus pour plaire aux enfants.

Kawakanih Yawalapiti, 9 ans, région du Haut Xingu du Mato Grosso, Brésil, photographié le 19 août 2018 à Brasilia. Kawakanih, dont le nom de famille vient de sa tribu, les Yawalapiti, vit dans le parc national du Xingu, une réserve du bassin amazonien du Brésil visible depuis l'espace. Le parc est entouré de ranchs de bétail et de cultures de soja. Au cours des six derniers mois seulement, près de 100 millions d'arbres ont été détruits par l'exploitation forestière illégale et l'expansion de l'agro-industrie. Les Yawalapiti et d'autres tribus du Xingu collectent des graines pour préserver des espèces uniques à leur écosystème, qui se situe entre la forêt tropicale et la savane. La langue des Yawalapiti est également menacée. Lorsque Kawakanih est né, il ne restait que sept locuteurs d'arawaki. Déterminée à empêcher l'extinction de la langue, la mère de Kawakanih, Watatakalu, a isolé sa fille de ceux qui ne parlaient pas l'arawaki. Kawakanih est le premier enfant à parler l'arawaki depuis les années 1940 et sa mère dit qu'il appartient maintenant à ses enfants de garder la langue vivante. Kawakanih a également appris le dialecte de son père ainsi que le portugais. Elle adore lire des livres d'histoire, en particulier ceux sur les Égyptiens. Elle passe ses journées à jouer dans la rivière, à pêcher, à aider aux tâches ménagères, à récolter du manioc, à fabriquer des beiju (pain plat au manioc) et à perler des colliers portés lors des rituels tribaux. Tous les deux mois, Kawakanih se rend à Canarana pour l'école, où elle acquiert des compétences en informatique, bien que personne dans son village ne possède d'ordinateur ; il n'y a ni électricité ni eau courante. Pour se rendre au studio de Brasilia, Kawakanih et sa mère ont voyagé 31 heures depuis leur village en bateau, en bus et en voiture. La peinture corporelle de Kawakanih la protège des mauvais esprits et de l'énergie. La peinture noire est faite de fruits de jenipapo et la rouge est faite de graines d'urucum moulues (une gousse de graines se trouve à gauche de sa tête). Les tribus de la forêt tropicale utilisent la plante entière d'Urucum comme médicament depuis des siècles. Le régime alimentaire de Kawakanih est très simple, composé principalement de poisson, de manioc, de porridge, de fruits et de noix.

Quelle a été la partie la plus difficile du projet ?

Il y avait de nombreux défis : trouver le bon mélange d'enfants, une équipe expérimentée, de l'équipement et des emplacements qui répondaient à mes besoins. J'avais besoin d'un espace de studio avec accès à une cuisine pour préparer la nourriture et d'une hauteur de plafond d'au moins 4 mètres (la hauteur de la caméra devait être constante à plus de 3.5 mètres au-dessus du sujet).

L'organisation était critique, mais faisait parfois défaut. S'assurer que tous les enfants tiennent un journal complet de tout ce qu'ils ont mangé afin que ces repas puissent être reproduits avec précision, par exemple. Heureusement, j'avais des producteurs compétents dans la plupart des pays. Parfois, l'équipement auquel j'avais accès n'était pas fiable, ce qui était difficile car l'éclairage des images doit être cohérent, bien sûr. Un autre obstacle majeur était l'argent; c'était un projet très coûteux à produire et générer des fonds n'était pas facile. Une grande partie du financement est sorti de ma poche. J'aurais vraiment aimé avoir un bienfaiteur ou un mécène !

Anchal Sahani, Chembur, Mumbai, Inde (10 ans) photographiée le 11 mars 2017. Anchal vit dans une minuscule cabane en tôle sur un chantier de construction dans la banlieue de Mumbai avec ses parents et ses deux frères et sœurs. Son père gagne moins de 5 $ par jour, juste assez pour que sa mère prépare du gombo & curry de chou-fleur, lentilles et roti. Anchal aimerait retourner à la ferme où elle est née dans le Bihar, aller à l'école comme les autres enfants et éventuellement devenir enseignante, mais elle est occupée par les tâches ménagères et s'occupe de son petit frère. Quand elle a le temps, elle s'habille et quitte le chantier pour profiter du parfum du jasmin et du lotus et pour regarder les enfants du quartier jouer au cricket et courir librement. Au cours de ses promenades, Anchal collectionne les emballages de chocolat aux couleurs vives qu'elle trouve le long de la route près de l'épicerie. Anchal souhaite que sa mère l'aime comme elle aime son petit frère.

Qu'avez-vous découvert à travers ce processus qui vous a le plus surpris ?

L'une des leçons surprenantes de Daily Bread est que les régimes alimentaires de meilleure qualité ne sont souvent pas consommés par les plus riches mais par les plus pauvres. Aux États-Unis, les pauvres sont les plus gros consommateurs de malbouffe parce que c'est pratique et bon marché. Mais à Mumbai, pour une pizza Domino's moyenne coûte 13 $, ce qui est bien au-delà des moyens de la plupart des gens. Anchal vit avec sa famille dans une cabane en aluminium de 2.5 mètres sur 2.5 mètres. Son père gagne moins de 5 $ par jour, mais elle mange un régime sain composé de currys de gombo et de chou-fleur, de lentilles et de roti que la mère d'Anchal prépare chaque jour sur un seul brûleur à kérosène. Shraman, quant à lui, vit dans un gratte-ciel de la classe moyenne de Mumbai et mange très différemment. Le revenu supplémentaire de sa famille signifie qu'il peut se permettre des pizzas Domino's, du poulet frit et des friandises comme des barres Snickers et du chocolat Cadbury.

En 2015, l'Université de Cambridge a mené une étude exhaustive classant les régimes alimentaires dans le monde du plus nutritif au moins nutritif. Remarquablement, 9 des 10 pays les plus sains se trouvent en Afrique. Il semble contre-intuitif que certains des pays les plus pauvres aient des régimes alimentaires parmi les plus sains. Mais quand vous regardez de près ce qu'ils mangent, cela a du sens : des légumes frais, des fruits, des noix, des graines, des céréales, du poisson et des légumineuses et très peu de viande (qui sert plutôt d'assaisonnement) et peu de calories vides (aliments transformés).

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